Энциклопедия современного искусства. 100 мастеров XXI века

«Не угашайте свое вдохновение и свое воображение; не становитесь рабом своей модели».

Винсент Ван Гог

Уважаемый читатель, «Энциклопедия Современного Искусства. 100 мастеров XXI века» создана командой международного проекта в области современного искусства и моды «Arts & Fashion». В ней собраны биографии и удивительные истории художников, фотографов, скульпторов, иллюстраторов и дизайнеров одежды. Данная книга предполагает ознакомить публику с яркими творческими людьми, которые живут с нами в одно время и создают красоту современного мира – мира современного искусства.

«Судить об искусстве просто, а понимать его – еще проще». Одна из важных целей проекта «Arts & Fashion» – это популяризация «молодых» деятелей современного искусства. Отдав предпочтение менее известным, но не менее талантливым мастерам, начать энциклопедию мы хотим со знакомства с выдающимися людьми, которые привнесли большой вклад в наш мир.

Зураб Церетели – один из наиболее известных советских деятелей искусства, а ныне президент Академии художеств России. Талантливый и творческий Зураб Церетели смог себя проявить практически во всех сферах современного искусства. Автору принадлежат картины, фрески, мозаики, барельефы, скульптуры, монументы и другие работы. Творческое наследие автора состоит более чем из 5000 работ, каждая из которых оригинальна, самобытна и неповторима.

Александр Шилов – художник-живописец советского и российского периода, портретист, график. Обладатель премии Комсомола, народный художник Советского Союза. Александр Шилов владеет галереей, расположенной в центре Москвы и уже на протяжении многих лет создает монументальные портреты самых известных личностей современного мира.

Эрик Булатов – советский и российский живописец, чьи работы обрели широкую известность только после распада СССР. Художник проявил свой талант сразу в нескольких стилях современного искусства. Он считается основателем таких направлений, как соц арт, московский концептуализм и поп-арт. В настоящее время творец проживает в Европе, но старается как можно чаще возвращаться на родину за новыми идеями и вдохновением.

Александр Петрелли – художник, график, автор перформансов. Работы подчинены панк-эстетике. Основал галерею «Пальто», в которой экспонирует на внутренней подкладке пальто графику, живопись и объекты. Собственные картины пародируют различные жанры и виды искусства – от русского авангарда до портретов рок-звезд.

Андрей Ремнев – его имя, по мистическому совпадению, созвучно Андрею Рублеву. Живой классик, соединивший иконописные каноны с традицией русского конструктивизма, сегодня популярен как в России, так и далеко за ее пределами. Даже испанские модельеры создают коллекции по мотивам его картин. Однако заграничным далям художник неизменно предпочитает родные просторы.

Михаил Шемякин – советский, американский и российский художник, скульптор. Яркий и эпатажный, этот мастер сумел покорить Европу и Америку, став известнейшим творцом современности. Его работы, колоритные, неоднозначные, у одних вызывают восхищение, у других – непонимание, но никого не оставляют равнодушными. Сам скульптор подчеркивает, что понятие «творить по вдохновению» ложное: есть только кропотливый труд, который и позволяет добиться успеха.

Владимир Дубосарский – живописец, автор крупномасштабных полотен, неизменно воспроизводящих счастливый мир, роскошную утопию, сон или мечту. С 1994 по 2014 год работал вместе с Александром Виноградовым. Их художественный тандем стал одним из самых ярких явлений в постсоветском искусстве, отразив настроения и вкусы трех десятилетий – «лихих» 1990-х, «жирных» нулевых и кризисных 2010-х. В сольном творчестве продолжает изображать «портрет нашего времени», в том числе исследуя репрезентацию в соцсетях и переосмысляя советское прошлое.

Егор Кошелев – далеко не всякий профессиональный живописец готов вовлекаться в практики стрит-арта, но в жизни москвича Егора Кошелева был и такой период. В дальнейшем у него осталась эта тяга к соединению «высокого» и «низкого», массового и элитарного. Сюжетам его картин свойственны миксы и парадоксы; социальная критика здесь не редкость, но она никогда не обходится без философской подоплеки, граничащей с абсурдизмом. Порой автор намеренно маргинализирует традиции академической живописи, стремясь к максимальной звучности своего высказывания.

Игорь Мухин – классик российской фотографии и главный хроникер 1980-90-х. На его пленках сохранились главные герои переломной эпохи и сама атмосфера того времени. Был и ведущим фотографом российского рока со времен его андеграундного существования – снимал едва ли не всех культовых музыкантов и публику на концертах. Отдельные его книги посвящены стрит-фотографии и динамичной жизни большого города в разные десятилетия. В них есть смятение, отчаяние и надежда митингов, бесконечных строек и нелегальной торговли и в то же время много витальности и поэзии человеческих отношений и целующихся пар.

Тимофей Парщиков – автор фото серий, снятых как в России, так и за рубежом, стремится к эффектному, киногеничному кадру. Так, прославившая его серия Suspens, объединена темой тревожной неопределенности, которая, по идее, лишена атмосферы крупных городов. Нужные ракурсы и антураж обнаруживаются в самой городской жизни, подсмотренной, как правило, в вечернее время. Для него любая фотография стремится выявить неочевидную событийность, упускаемую из виду в потоке жизни. Его персональные выставки прошли в России, Франции, Германии, Италии и других странах.

Ольга Тобрелутс – формировалась как художник в конце 1980- х, изучала архитектуру в Ленинграде и компьютерную графику в Берлинском институте ART+COM, входила в легендарную группу «Новая Академия», основанную Тимуром Новиковым. Неоакадемизм с его культом человеческого тела, классическими канонами красоты и многочисленными цитатами из истории искусства соединился в ее творчестве с современными компьютерными технологиями. Лентикулярные панели, видео и живопись становятся способом создания собственной метавселенной, где скрещиваются современные поп-идолы, античные герои, реклама и модные бренды.

Юрий Альберт – относится к поколению новой волны московского концептуализма 1980-х. Он занимается выяснением главных вопросов современности – «что такое искусство?» и «кто такой художник?» и делает это с большой долей иронии. Выясняя положение художника в арт-системе, он свободно фланирует по страницам истории искусства, доводя до абсурда общепринятые представления и стереотипы.

Дмитрий Аске – начинал в 2000-х писать граффити, занимался графическим дизайном и иллюстрацией, автор масштабных муралов в Москве, Владивостоке, Мангейме (Германия) и других городах. Добившись популярности в области стрит-арта, перешел к успешным галерейным продажам и крупным коллаборациям с известными брендами (Nike, Sony и другие). Узнаваемые работы последних лет – уличные крупноформатные скульптуры и интерьерные многослойные рельефы из фанеры с локальными цветовыми пятнами и мозаичным изображением.

Татьяна Ахметгалиева – художник-график, а также мастер запоминающихся инсталляций, в которых вышивка с холста нитями памяти вторгается в окружающее пространство. Родилась в Кемерове, училась в Петербурге, а живет и работает между двух столиц. Ее большой дебют состоялся в 2010-м на Уральской биеннале в Екатеринбурге. С тех пор ее работы представляют пара европейских галерей, а яркую сюрреалистичную графику показывают в музеях и галереях разных стран.

Александр Бродский – архитектор по образованию, в 1980-е он был одной из ключевых фигур направления «бумажная архитектура» – феномена конца советской эпохи, в рамках которого талантливые архитекторы сбегали от унылой действительности в проектирование воображаемых зданий, неизменно производивших фурор на международных конкурсах. В постсоветское время для его фантазий нашелся выход – тотальные инсталляции, объекты, формирующие пространство, в том числе парковое. Как художник он интересуется непостоянством и хрупкостью памяти, личной и коллективной, перебрасывает неустойчивые мостки к советскому прошлому и детским воспоминаниям, говорит об утраченной культуре и уходящем времени, и делает это тонко и точно, играя на полутонах.

Зорикто Доржиев – работает в станковой живописи, графике, книжной иллюстрации, скульптуре и как художник кино. Восприняв основы русской академической школы и «космополитизм» современного европейского искусства, он продолжает следовать бурятским национальным традициям. Творческий метод Зорикто Доржиева строится на синтезе нескольких составляющих, главные из которых – фигуративная традиция академической школы и культурное наследие кочевых народов Бурятии. Среди почитателей таланта Зорикто и коллекционеров его работ немало известных политиков, бизнесменов, звезд кино и музыкантов.

Покрас Лампас – российский художник-каллиграф, который стал амбассадором собственного стиля граффити. Сегодня он рекордсмен Книги рекордов Гиннесса, мастер, работы которого всегда впечатляют. Его творчеством интересуются международные бренды, а сам Лампас стал создателем мерча. Начало этому длительному пути положили поездки на электричках Подмосковья вдоль промышленных зон, где уже в начале 2000-х красовались смелые росписи.

Самое интересное и поразительное в современном искусстве – это возможность по-новому взглянуть на вещи, которые, казалось бы, уже понимаешь и знаешь. Человек, который понимает и разбирается в искусстве, понимает и то, что такое красота линий, пропорций, гармония и дисгармония. Для того чтобы хорошо разбираться в жизни, надо разбираться в искусстве.

Цель книги «Энциклопедия Современного Искусства. 100 мастеров XXI века» подарить возможность приблизиться к современному искусству и убедиться в том, что наш мир богат на талантливых людей. Творцы удивительного и прекрасного, есть и живут с нами в одном мире, дышат одним воздухом, вдохновляются одной природой и проживают те же переживания что и мы.

Уважаемый читатель, после прочтения данной книги, мы рекомендуем познакомиться с мастерами ближе. Посещайте выставки, различные мастер-классы, лекции, культурные мероприятия, ведь самое глубинное и самое главное осознание приходит тогда, когда общаешься с автором лично.

*Все мастера опубликованные в «Энциклопедия Современного Искусства. 100 мастеров XXI века» прошли строгий кураторский отбор и были выбраны профессиональной командой проекта «Arts & Fashion».

Приятного прочтения! С уважением, команда проекта «Arts & Fashion».

ANNA BO

«Мне кажется, что я всегда была в искусстве. Просто осознание того, что я – художник, пришло позже», – рассказывает Anna.

В детстве увлекалась многим, начиная с бальных танцев, заканчивая капоэйра, но искусство всегда брало верх. «На каникулы я всегда брала с собой краски, пастель и карандаши, чтобы в свободное время рисовать», – повествует Anna. Окончила академию имени С. Г. Строганова. Считает, что профессиональное образование даёт базу, благодаря которой ты продолжаешь работать и совершенствоваться в своих навыках. «Для молодого поколения рекомендую учиться и не бояться пробовать, экспериментировать и быть смелее», – утверждает художник.

Anna рассказывает, что сколько себя помнит, всё время показывала свои работы в детстве, а позднее – на бесконечных просмотрах в академии, в настоящее время – на выставках.

«Скажу только одно, что я очень грущу, когда картины лежат и их никто не видит. Искусство без зрителя для меня не имеет смысла», – поясняет автор. Со временем ей пришло понимание, что художник – это не тот человек, который пишет картины, а прежде всего личность и главное, как она мыслит.

Anna является основателем направления «Многогранная живопись». Она представляет картины как арт-объекты, которые способны стать акцентом или даже центром внимания.

«Мы живём в современном мире, мы часто меняемся, куда-то переезжаем. Мне важно создавать искусство, которое соответствует текущему времени», – заявляет автор.

По её словам, она больший смысл вкладывает в возможность создавать различные комбинации между дизайном и классической живописью.

Также развивает в своих картинах тему: космос и человек. Мастер рассказывает, что как-то она спрашивала у одного скульптора: «Быть может, если работать в одном направлении, я смогу создать больше в искусстве?». На что получила ответ: «Это нормально, когда ты переключаешься и как бы отдыхаешь между двумя направлениями. Ты не распыляешься и создаешь свой стиль в двух направлениях».

«Моё искусство в целом усложняется по своим смыслам, техникам и сферам, в которых я хочу быть представлена как автор и как личность», – утверждает мастер. Вдохновение и силу, чтобы продолжать творить, она находит в таких необычных людях, как космонавты. «Я смотрю на фото, которое мне однажды подписал космонавт, на книгу с автографом, и вдохновляюсь такими людьми. «Хочется хоть чуть-чуть быть космонавтом в своей работе», – рассказывает художник о своём источнике вдохновения. В космосе много неизвестного и таинственного для человека. Anna хочет призвать общество обратить внимание на науку и современные технологии. Она считает, что человек, смотря на образы других планет, также задумывается о Земле, так как она уникальна и необходимо о ней заботиться. В её работах из серии «FlY ME…» заложена мысль о том, что у каждого человека, каждой личности есть своё предназначение, свой характер и свои преимущества. Аналогично тому, как и у каждой планеты есть своя миссия в космической системе.

Anna Bo – основатель направления Многогранная живопись. Член Международного Союза дизайнеров. Также её картины находятся в частных коллекциях в России, Англии и США.

«Мои заслуги, к которым причастны близкие люди и преподаватели – это все мои картины и выставки», – заявляет художник. Ей важно создавать искусство, соответствующее современному миру, использовать технологии. Например, дополненная реальность AR, с помощью которой картины оживают и озвучены диктором. Именно новые методы позволяют ей как автору донести гораздо больше смыслов до зрителя.

MERU МАТЬ СТЕКЛА

Родилась 17 августа 1991 года в городе Юрга в Кемеровской области. Закончила художественную школу, имеет высшее образование. Вспоминая детство, MERU упоминает, что она рисовала всегда. Значимой фигурой в увлечении искусством был отец, который помогал узнавать мир через уроки живописи, поэзии, рыбалку, лес.

Для нее это был некий процесс формирования навыков наблюдения и интуитивного чувствования: «Сейчас детский опыт помогает мне в нахождении нетронутых форм самовыражения, улавливании тонких импульсов запроса настоящего момента и реализации свежих идей».

Последние три года MERU была погружена в поиски своего уникального почерка, много экспериментировала, пока ни пришла к изобретению своей техники трансформации стеклотары в искусство. Ради него MERU оставила семью, работу, привычную жизнь. Художник поясняет: «Выстраивая технологию с нуля, мне пришлось отойти от общих технических регламентов работы со стеклом в технике фьюзинг. Но бесстрашие перед рисками, возникающими на пути, привело к созданию новых форм. Техника плавления стекла довольно своенравна и самостоятельна: после закрытия печи моя роль заканчивается, и на сутки жизнь берет искусство в свои руки. При нагревании стекло становится жидким и замирает в движении, полностью изменяя форму, в сути оставаясь неизменным». MERU всегда было мало холста, стены, мало формы, но благодаря стеклу она ощутила ту свободу, которую долго искала. Сейчас художник создает рельефы из стеклотары, расправляя осколки банок и бутылок, тем самым трансформируя использованную массу в искусство.

Благодаря выбранному пути апсайкла MERU реализует в своем творчестве основной принцип бесконечности бытия. Каждый ее рельеф – это воплощенный звук, в нем появляется присутствие, телесность. Разбивая бутылки, художник переносит в стекло энергии и вибрации, исходящие от людей, музыки, криков природы.

Всего за два месяца от идеи рельефа и первой его реализации прошло до признания на московских, петербургских и региональных выставках. Деньги с продаж рельефов частично направляются на благотворительность в ассоциацию «Интенрация», помогающую людям с ограниченными возможными города Новосибирск. Посыл своего искусства MERU определяет так: «Окружающая стандартизация, границы и ярлыки не искренне отражают субъективную реальность восприятия. Не бойтесь исследовать хаос личной самоопределённости, отдайтесь своему оголенному восприятию действительности. Останавливая внимание в глубине капель стекла, гипнотической игре света, мы замираем и неизбежно разворачиваем взор на происходящее внутри нас».

Фьюзинг – техника длительного спекания стекла в печи.

Апсайкл – повторное использование старых либо ненужных вещей, материалов или изготовление из них чего-то нового.

Постояныые выставки:

г. Санкт-Петербург галерея «Мольберт», «УЖЕ», «Arts Square Gallery», «Арт центр Сергеенко».

г. Москва галерея «Винзавод», «FEDINI», «АРТ-МИИТ», «Ассоциация художников пленэристов».

г. Новосибирск галерея «GRUNGE».

VELLY ВЕЛЛИ

Родилась 21 сентября 1997 года в Московской области. Окончила художественную школу с отличием, училась в архитектурной школе. По окончанию университета получила диплом дизайнера среды, но сама Вэлли утверждает, что никогда не работала по этой специальности.

Об образовании художник говорит так: «Я считаю, что для успешной карьеры в сфере искусств нужно постоянно развиваться и пробовать новое, для этого не обязательно получать «официальное» образование в государственных учреждениях». Она уверена, что без сильной мотивации и интереса к искусству вряд ли получится достичь высоких результатов, тем более в такой бурно развивающейся сфере.

Вэлли говорит, что рисовать она любила всегда, и ничто ее так ни увлекало, как этот яркий процесс. В 14 лет она стала подрабатывать репетитором по рисованию, помогая детям готовиться к просмотрам в художественной школе. Ее ученики всего на пару лет были младше, но это совершенно не смущало юного мастера. Уже в 16 лет начала активно принимать заказы на портреты. В этот же период у нее появилась аудитория в социальных сетях, которая была очень заинтересована ее творчеством. Через пару лет Вэлли пришло предложение, в которое она долго не могла поверить. Ей предложили рисовать для знаменитой французской компании «Christian Dior». С этого момента художник начала активно сотрудничать с крупными брендами и рисовать на мероприятиях.

О своих работах Вэлли говорит так: «С каждым годом я всё больше совершенствуюсь, чувствую уверенность и готовность браться за сложные задачи». Художник ставит перед собой много целей, которые приводят к стремлению пробовать что-то новое. Она создает проекты на разные темы.

Например, серия работ BLINDead, над которой работала большую часть 2022 года, посвящена чувствам и тому, как перенасыщение ими может исказить восприятие окружающего мира. Вэлли предпочитает работать в тихой и умиротворенной обстановке. Это позволяет ей полностью погрузиться в процесс и отвлечься от внешнего мира.

В своих работах автор сочетает карандашную графику, акварель и диджитал. По ее словам, это помогает ей «взять лучшее от каждого материала и совместить – в ярком и узнаваемом стиле». Благодаря такому синтезу методов работа выглядит необычно, что позволяет формировать свой авторский стиль. За последние пару лет художница попробовала разные направления в рисовании. Она начинала свой творческий путь с портретов, увлекалась написанием пейзажей, создавала fashion-иллюстрации. Сейчас она рисует портреты, совмещая традиционные техники рисования и диджитал.

Для своих работ она использует карандаши, акварель и графические программы. Сегодня Вэлли – одна из успешных художников России. В ее портфолио есть работы для таких брендов, как: Christian Dior, Bulgari, Givenchy, Armani, Dolce&Gabbana, Estee Lauder, Guerlain, Garnier, L’Oreal, Asus, NVidia, De’Longhi и др. Также она сотрудничала с Mercedes- Benz Fashion Week: проводила мастер-классы в рамках мероприятия, создавала иллюстраций и оформление. Мастер активно развивает свое творчество в NFT. Она считает, что эта сфера открывает большие возможности для художников и позволяет развиваться на международном уровне. По мнению Вэлли, это активно развивающаяся и многообещающая сфера, которая подходит как для начинающих художников, так и для профессионалов.